L’Orfeo

歌劇自17世紀誕生以來，經過400多年的演進，各個國別、作曲家、演唱者在音樂形式、架構，乃至劇本和唱腔，都譜寫了一篇壯闊燦爛的精采歷史，然而到了樂種越來越多元，聽眾市場越來越細分的今日，廣泛被認為屬於古典音樂範疇的歌劇還能有什麼樣的突破與改變？上個世紀我們看到Schönberg、Orff、Gershwin、Glass等人把現代主義、跨界樂曲、節奏運用、極限主義等思維注入看似業已完熟的音樂形態，讓歌劇迸發新的活力與可能性。導演Daisy Evans和監製Tim Wilson與他們組織的新劇團提出了在這個數位時代的另一種方向，Silent Opera走的是小劇場的形式，設定150名左右的觀眾跟演員近距離接觸，由於是小劇場規模，勢必無法容納整個交響樂團，於是Silent Opera最大的突破，便是事先預錄完整演奏，表演當下再經由混音技術結合現場演唱，觀眾可以隨時自由選擇切換搭配簡易樂器伴奏的完全臨場版，或是用耳機收聽混音版。作為Silent Opera的試聲之作，Evans刻意選定了Monteverdi的名作”L’Orfeo”，此劇可說是目前歌劇史上標準保留劇目裡最古老的作品，最遠久的文本與最摩登的科技碰撞，本身就是很有吸引力的賣點，此外，雖然我並不確定Evans有沒有這番設想，但Orfeo (Orpheus)深入冥界拯救愛侶Euridice的故事，現代亦常借諭創作者追尋的歷程，對一項賦予既定印象的藝術新面向的嘗試，也是相得益彰。Silent Opera的”L’Orfeo”將原作五幕分置在三個表演空間，為避免混淆，往後此文就以一、二、三、四段區分（例如第一段為Monteverdi原作的首兩幕，講述Orfeo地上人間的故事，連同第四段回到地面，因為都在地上，所以歸為一個連貫的場域）。第一段觀眾圍坐成一個長方型，中間是主要表演場所，更外圈在半層樓的高度是演奏者的席位，演唱者便在這三個地方穿梭表演，演出在四面八方發生，觀眾在這個最初的階段看來都在熟悉全新的體驗，時不時戴上、拿下耳機，仔細比較、體會兩種聲音表現的差異，尋找自己的偏好，依我的觀察，大多數都會漸漸固定下來，找到了屬於本身喜愛的模式。第二段Orfeo進入陰間面對冥王Plutone (Pluto)，這是我最喜愛的一段，舞台設計Katherine Heath取Orfeo在冥河岸邊，喚起對Euridice的記憶，感動守門者Caronte (Charon)，使之放行的片段，打造一個掛滿高高低低，大小不一玻璃罐的空間，玻璃罐裡放著各式各樣的物品，從相片、彈珠、別針到玩具，琳瑯滿目地象徵Orfeo之於Euridice的的回憶與思念，觀眾和演員在這個煙霧繚繞，光線迷離的奇幻空間裡交會，我有時甚至還透過玻璃罐欣賞演出，Heath的設計著實教人讚嘆，另外值得一書的是，當晚飾演Euridice的舞者Kirsty Mather一段舞向Orfeo的動作，頭髮勾到一條懸掛玻璃罐的鐵鍊，看著他拖著一縷秀髮，在白霧裡若隱若現，緩步拜倒愛人身旁，真是美得令人屏息，而那牽引著的髮絲，正是戲劇的魅力所在，一個不在計畫中，在其他型態可能被剪除或忽略的小小意外，卻是最迷人的部分。本段表演位置固定，視點集中，我選擇全程戴耳機聆賞，徹底將自己投入愛之傾訴的情境中。相對前者，第三段說的是Orfeo帶著Euridice返回陽間的過程，觀眾坐在類似小教堂的位置，眾多演員自遠處繞過通道，再經過坐位區，走向前廳，所以我整段完全聽現場，感受演唱聲音的距離感。Silent Opera的”L’Orfeo”確實拓展了歌劇與聲音技術的想像，一名觀眾結束後跟我說，他以前素來對歌劇沒有多大的興趣，Silent Opera的經驗讓他以後有興趣多加了解，已經達到Evans和Wilson吸引新族群欣賞歌劇的初衷，從此點而言，兩人應會滿意Silent Opera處女作的表現。但Silent Opera的缺憾也是滿明顯的，擁有小劇場和觀眾零距離的優勢，卻沒有發揮很大的效用，演員與觀眾間幾乎沒有直接的互動，雖然安排了一名觀眾得到”Golden Ticket”可以決定Orfeo的生死，然而結局是悲是喜仍舊缺乏參與感，和幾年前同樣在Trinity Buoy Wharf燈塔倉庫演出，徹底顛覆演者與觀者界限的”Hotel Medea”相比，高下立判，當然我了解歌劇的架構不比舞台劇，能夠釋放的臨場空間一定較少，但都已經站在一起了，還是只能乾巴巴地看著，又浪費如此良好的場地，委實可惜，當真說不過去，只希望Silent Opera下齣製作能在這點做出更大的突破與創新，掀起歌劇感官經驗新一層的革命。